gracias

Encantada de conocer un día lluvioso a un gran pintor.Preciosas obras

1920 en Enero ese fue el año d la muerte d Amedeo Modigliani y cinco dias despues Jean Hebuterne su musa y compañera embarazada d 8 meses se arroja por la ventana d la casa d sus padres poniendo fin a su vida..ella no podia vivir sin Modi. En el cementerio d Pere Lachaise d Paris esta la tumba d ambos. Yo amo a Modigliani..amo su pintura y amo el misticismo q lo rodeo...llevo su nombre tatuado en mi brazo

me obligaron a hacer... achusss perdon. me obligaron a hecer un trabajo de esto uwu

ohhhh ma gaaaa ou ieieieie

good do helllllp

wazaaaaaaaa tununununu el q quiera el q quiera wazaaaaaaaaa

super pintor fez obras únicas com cores alegre.

Todo bien pero tendrías q haber puesto una canción de fondo de Debussy para q sea de impresionismo

Hermoso..

el dadaismo están encontrar de no se cuantas cosas mas,aahhh pero para cobrar por un pinche platanano por millones eso si no se les olvida. como el socialista con iphone igualitos hahahaha

Terrible los bots

No es una obra tan detallista. Aunque me gusta reconozco que le falta el marco de la ventana. En una obra realista no debería de faltar el batiente de la ventana.

Chupapi muñaño

❤❤❤❤❤

La interpretación de esa obra dependerá del nivel vibratorio que te encuentres!!! A l primera mirada el burro rebuzna, a la segunda el lobo aúlla y a la tercera el niño mamá de los senos de su madre!! La iniciación, el segundo nacimiento, la muerte del ego, una vez que esto suceda el circo será cada vez más notorio!!! Esta imagen reprenda mucho!!! Donde todo tiene un porqué en su momento para un propósito mayor en un tiempo que aún no existe!!!

Es un “titán” 🐎 de Franz Mark

PORNO!

Mejo la banana

👏🏻👏🏻👏🏻💗🙋‍♀️

0:05 Akbar y Jeff del comic "Life in Hell".

EXCELENTE PINTOR

Gracias por tu vídeo, me ha gustado mucho. Me voy a suscribir. Esta pintura la encontré en una vieja enciclopedia siendo yo niño, hará al menos 40 años, aparecía con el título "Mujer enamorada", parece ser que es un retrato de la amante italiana del pintor. Tiene mucha relación, creo, con la vida, la sensualidad y la muerte. A mí Munch siempre me ha impresionado.

Paul Gauguin crea una obra maestra donde se aprecia su significado bíblico y simbólico y su estilo cloisonista con las líneas negras que delimitan las formas. Mezcla el mundo real con las bretonas rezando y la imaginación de la lucha de los angeles.

El aduanero Rousseau crea un estilo, llamado Naif, que lo hace único y especial. Su ingenuidad y su temática selvática y onírica hacen de su cuadro una verdadera obra de arte.

Una obra destacada de Cezanne por su montaña Sainte-Victoire, la cual adoraba pintar, sus formas geométricas que crean su estilo único, padre del cubismo y fovismo, y la paleta de colores tan distinta, ya que Cezanne trata de no repetir el mismo color dos veces.

El almendro en flor de Van Gogh es una pintura bella, con una gran luminosidad y significado tanto por lo espiritual de las flores como la manera en que Van Gogh pinta el cuadro para su recién nacido sobrino.

Sin duda una obra culmen, no solo por la técnica del pintor, sino sobre todo por aquello que simboliza, aquello que significa. Preguntas que nos rodean a todos los seres humanos durante toda nuestra vida y que en cada cultura se responden de maneras distintas, ya que por ejemplo con la mezcla de la cultura tahitiana Gauguin nos muestra el pecado original con la lagartija debajo del pájaro, pero el significado sigue siendo bíblico a pesar del cambio simbologico.

Aunque sus óleos fueron escasos, en todos ellos se puede apreciar su predilección por la espontaneidad y el movimiento, como si de fotografías se tratasen. Siguió un poco el legado que había dejado el impresionista Degas con sus obras, priorizando el dibujo (las líneas) frente a la pintura.

Si hay algo que Rousseau cultivó a la perfección en su trayectoria artística fue la temática onírica, “perteneciente o relativa a los sueños” (se acerca al surrealismo que aún ni había sido cultivado). Esta temática la podemos apreciar perfectamente en “La gitana dormida”, donde sitúa a un león al lado de una mujer, con la misma inocencia que si de un perro se tratase (fenómeno que en la realidad sería imposible de imaginar). De ahí que Rousseau sea considerado uno de los precursores del arte “naíf” (ingenuo).

Con esta obra, y en general con todas las de Cézanne, podemos ver cómo se prioriza la pintura frente al dibujo (las líneas), creando ese aspecto inacabado característico de sus cuadros (podemos apreciar que el protagonista del cuadro es un hombre, pero apenas existe una silueta, más bien pinceladas que han creado su forma).

Si algo van a hacer los posimpresionistas que marque un cambio respecto a la corriente artística anterior, va a ser recuperar la expresividad de los objetos y de las personas. En el caso de esta obra, más bien la expresividad de las personas, a quienes Gauguin ha querido dotarles (de manera sútil) de expresiones faciales. Esto se puede apreciar en las dos mujeres del plano de alante, pues una de ellas está tocando la flauta y se ve cómo la otra la mira con esmero.

En mi opinión esta obra es una de las que más refleja este arte movido por las impresiones personales o formas de ver el mundo, pues sabemos que Van Gogh cuando pintó este cuadro estaba interno en un psiquiátrico por trastorno bipolar, y la visión de la misma realidad (lo que veía a través de la ventana), claramente se vio alterada por sus sentimientos desbordados.

Esta obra pertenece a su última etapa, donde se muestra un estilo cargado de surrealismo, aunque en esa época no había surgido el surrealismo, por lo que no se puede decir que sea una obra surrealista. Esta pintura muestra a una mujer, Yadwigha, que está soñando, y se traslada a un entorno selvático, y ella se encuentra desnuda y tumbada sobre un sofá. Combina tanto su interés por las escenas de la selva como con la imaginación

Esta obra pertenece a su etapa París, cuando conoció a personajes como Suzanne Valdon, la cual es una pintora y modelo, y que retrataba en situaciones criticadas. Los cuadros que pintaba, eran escenas que contaban historias de los personajes que son reconocibles de la época, y otros que no lo son. Esta pintura muestra el tiempo de ocio en París, en primer plano representa a sus amigos, La Goule y Valentín Le Désossé, que son reconocibles de otros cuadros también.

Esta obra pertenece a su etapa en Arlés (el Japón francés) del artista, donde tras recaídas personales y problemas con el alcohol en París, se va a un lugar que le permite estar conectado con el campo y la vida sana. El traslado afecta a su obra, ya que tiene una fuerte vinculación con la naturaleza, y una influencia del Jarín Japonés. En esta pintura muestra una rama desde abajo, que está empezando a florecer y que se funde con el azul cielo. Demuestra los contrastes entre colores.

Esta obra pertenece a uno de sus viajes a Tahití, donde realiza sus obras más célebres y donde descubre una cultura muy distinta a la suya, encontrando una religiosidad y folclore que era todo lo contrario a la francesa. Esta pintura muestra un paisaje paradisiaco con isleñas, con un árbol en el centro que sirve para dividir la escena; por un lado, vemos a mujeres que tocan instrumentos con ofrendas de flores como una tradición a los dioses, y en el otro lado, las ofrendas a los dioses son bailes y cánticos

Esta obra pertenece a su fase más importante, que se da gracias a que desarrolla su método constructivo, el cual se basa en un espacio que está fracturado, y formado por toques, formas y colores que están construidos a través de la pincelada repetitiva. Este estilo da lugar más tarde al Cubismo. Esta pintura muestra la una montaña referencia a Sainte-Victoire, que se convierte en protagonista. ya que Cézane la pinta en varias ocasiones.

Utiliza colores brillantes y contrastantes para resaltar la atmósfera vibrante del cabaret, con tonos cálidos que sugieren el resplandor de las luces y la calidez de la actividad nocturna. Lo más notable de "Baile en el Moulin Rouge" es la manera en que Toulouse-Lautrec captura la esencia misma de la vida nocturna parisina en esa época, ofreciendo una visión íntima y auténtica de la emoción y la decadencia que caracterizaban al Moulin Rouge y otros lugares de entretenimiento de la Belle Époque.

La pincelada de Rousseau es audaz y expresiva, con un énfasis en la forma y el contorno que le da a la obra una cualidad casi primitiva y prístina. Rousseau fusiona elementos realistas con elementos fantásticos y simbólicos para crear una narrativa visual rica y evocadora.

Cézanne presenta la montaña Sainte-Victoire desde una perspectiva distante, con una composición que enfatiza la estructura geométrica y la solidez de la forma. La montaña se eleva majestuosamente sobre el paisaje circundante, dominando la escena con su imponente presencia. Destaco las pinceladas cortas yuxtapuestas para construir la forma de la montaña y crear una sensación de volumen y textura en la superficie de la pintura.

Cézanne retrata a un campesino con una mirada penetrante y una expresión introspectiva. La figura del campesino se presenta de manera sólida y monumental, con una simplicidad aparente pero una profundidad emocional palpable. Cézanne utiliza una paleta de colores sobrios y terrosos, lo que resalta la dignidad y la fortaleza del campesino.

"La noche estrellada" es una obra maestra icónica de Vincent van Gogh que transmite una intensa sensación de movimiento, emoción y misterio. A través de pinceladas vigorosas y dinámicas, Van Gogh crea un paisaje nocturno vibrante y lleno de energía. Las estrellas parecen palpitar en el cielo, mientras que el ciprés y los edificios parecen girar y retorcerse, lo que sugiere una atmósfera de inquietud y turbulencia emocional.

El "Baile en el Moulin Rouge" de Toulouse-Lautrec transporta al espectador al corazón de la vida nocturna parisina. La composición dinámica y la representación de personajes icónicos evocan la atmósfera única del famoso cabaret, inmortalizando un momento efervescente en la historia del arte

"La guerra" de Rousseau es una reflexión sobre los efectos destructivos de la civilización en la humanidad. A través de su visión crítica, Rousseau expone la corrupción y la brutalidad inherentes a la guerra, cuestionando los fundamentos de la sociedad moderna. La figura de la niña para liderar representa la vulnerabilidad en medio del caos, la inocencia destruida por los horrores de la guerra. Los colores vivos que utiliza son fascinantes y aportan unicidad a la obra

Aun siendo una obra de pequeñas dimensiones tiene un gran impacto visual, entre las atmósfera ilusoria que crea la pintura y el combate bíblico que acontece el momento, Gaugin nos deja con la boca abierta y los ojos aun mas. Gran punto el uso del color bermellón, es el color que mejor es visto a distancias lejanas.

Me ha interesado mucho este vídeo debido a que este artista en un principio no pudo recibir una formación artística, hasta que se establece en París. Y pudo llegar a exponer una obra suya en un importante salón, sin tener ningún tipo de formación académica como tal. Me ha llamado la atención, en sí el artista y su forma técnica de pintura, ya que ese mundo exótico que dibuja me atrae mucho, a la vez que viendo también el vídeo del cuadro de la gitana dormida, me atrajo mucho también. Y la encantadora de serpientes, me parece una obra maravillosa debido a que me recuerda y me lleva a un mundo onírico y unas siluetas atractivas y preciosas.

Los colores verdosos y azules tierra combinan a la perfección y crean un retrato sin rostro. "Retrato de un campesino" de Cézanne captura la esencia cruda y honesta de la vida rural. Cézanne logra transmitir la dignidad y la fuerza del sujeto. La composición revela la profunda conexión del artista con la naturaleza y la vida cotidiana

Gauguin utiliza una paleta de colores que aportan luz y suavidad al cuadro. Da la sensación de ser el fragmento de un cuento exótico y con tan solo mirar la obra te transporta a un país tropical. Las formas y personajes están en armonía con la vegetación y vestuario de los personajes. El punto central de la obra es el árbol que a su vez la divide. En resumen; un cuadro magnífico.

Van Gogh, tan incomprendido, siempre supo mostrar sus emociones mediante sus pinturas, yo creo que esto es lo que le hace un pintor tan maravilloso. En la obra, vemos la fascinación de Van Gogh por el cosmos y su inmensidad. El ciprés, conector de lo terrenal y lo celestial, como muy bien se explica en el video, es un mal augurio del futuro del Van Gogh, es una representación de la situación mental del autor en aquel entonces; a pesar de tener una voluntad de acero, los demonios de su mente le consumían, y la pintura fue siempre su vehículo de escape. Las formas y los colores de Van Gogh son tan expresivos y tan orgánicos que dan ganas de llorar al verle, imposible no emocionarse. Seguramente la habitación del sanatorio no volvería a ser la misma, y toda esa energía masiva que desprendía el autor seguirá impregnada en cada muro.