J'arrange une compo avec les 2 méthodes orchestrales

Me commander une musique : taiwuang.fr/
Mon Twitch : / taiwuang
▂▃▅▇█ MATÉRIEL █▇▅▃▂
Mon nouveau piano Thomann : www.thomann.de...
Mon nouveau diffuseur Thomann : www.thomann.de...
Mes nouvelles enceintes ADAM A7X : www.adam-audio...
Mon VST de basse : prominy.com/pr...
Mon VST secret de mix (EQ Dynamique) : oeksound.com/p...
▂▃▅▇█ RÉSEAUX █▇▅▃▂
Discord : / discord
Facebook : / starryskyproject
Twitter Tai : / taiwuang
Insta Tai : / taiwuang

[@danarduynna6761]

C'est à la fois une leçon de technique, de débanalisation de l' art, de maîtrise, de subtilité... d' Humilité, d'invitation au Respect par admiration active et non béate. Novice, j'ai écouté, et dégusté comme on regarde les étoiles.

[@kooky74]

Excellent❤ Bon, dans les 2 cas, pas de contrepoint qui marque bien la compo pour l'orchestre selon mo,i mais une superbe démonstration de différentes façon d'appréhender l'orchestration pour un sujet simple. Merci pour cette vidéo

[@zojaXII]

cette chaine mérite tellement plus d'abonnés...

[@gillesgarnier7306]

Bonjour. Ta vidéo est passionnante. Je discerne dans ces deux approches deux projections différentes de "peindre" la musique. La première est spatiale et s'inscrit dans une perspective aérée ou le son respire par dilatation/contraction et ou les caractéristiques des pupitres traversent les distances par leurs variétés de timbres, de puissances, d'attaques, etc. La deuxième s'exprime par supperpositions de couleurs et de décibels pour créer une masse orchestrale, pesante, puissante. L'intérêt serait, de mon point de vue d'utiliser les deux en fonction de l'atmosphère que l'on souhaite illustrer. L'aquarelle ou la peinture au couteau illustrent chacunes des visions cohérentes ou personne ne va se preoccuper des pigments employés. La MAO est réaliste si sa musique vibre en accord avec ton coeur emotionnel. Un grand merci à toi pour la qualité de ce sujet et de ton traitement ouvert de celui ci.

[@michaelvelado9712]

vraiment super taffe

[@Platinum-Hikari183]

Le deuxième modèle a vachement plus d’impact, moi aussi je fais partie de la catégorie qui préfère la sonorité bien remplie, tant que ça me vibre le cœur… rien à carré du réalisme ❤️

[@gokurock5225]

Salut, merci encore pour ton travail c'est super. Est-ce indiscret de te demander quels sont les vst instruments que tu utilise dans cette vidéo (pour tes patch cordes, instruments orchestraux, effets, percussions)?

[@pandaf2000]

Très chouette vidéo ! Et du coup tu utilises quels VST pour l'orchestre ?

[@JulienBeugin]

Excellente vidéo ! Bien expliqué et les deux méthodes se valent. Ça va dépendre du projet. Bravo encore une fois. :-)

[@daftknight6179]

Encore une bête de vidéo quoi, ça fait progresser de ouf !

[@batnstudios8472]

Passionnant ! Merci beaucoup pour cette vidéo très instructive !

[@jeancazes2483]

Merci pour ton beau travail

[@jibi9275]

c'est vraiment bien commevideo de banalisation. Personnellement, je compose en mode Hybride, c'est a dire que ma section orchestral est "réaliste" Cordes + bois + cuivres + percussion MAIS avec du layering synthé + drums. c'est plus long à produire, mais ca à le mérite d'être plus souple sur les projets.

[@Gr3yMus]

je trouve un peu dommage que la partie John Williams soit un peu bâclée (je sais, la vidéo fait déjà 28 min haha!). Mais la "méthode John Williams", c'est aussi la recherche de texture dans l'orchestre autre que juste les gros blocks "Strings" "Brass" "Woodwind" qu'on trouve dans les VST de maintenant, ainsi que le contrepoint, les lignes intérieures (contre-chants etc). L'exemple que tu as fait était plus proche de Hans Zimmer, je trouve. Mais, continue tes vidéos, je trouve ça génial! ;)

[@Gr3yMus]

d'ailleurs, je mets un pouce bleu haha!

[@lachambredetaiwuang5057]

@@Gr3yMus Comme dit dans la vidéo, ce n'est en aucun cas représentatif des styles de Williams et Zimmer. J'utilise juste leurs noms pour catégoriser intuitivement les deux méthodes d'arrangement symphonique opposées qu'on pourrait employer lorsqu'on produit sur ordinateur, cad soit essayer de reproduire le plus fidèlement un vrai orchestre (sections, voix, nombres d'instrumentistes, placement...) soit s'en foutre complètement (patchs d'ensemble, doublage avec des synthés, etc...)

[@Gr3yMus]

@@lachambredetaiwuang5057 oui tkt j'avais compris que tu ne faisais pas précisément John Williams, et que quand tu parles de méthode John Williams, on peut aussi la renommer "méthode Joe Hisaishi" par exemple! c'est juste que je pense qu'un exemple de contrechant, d'utilisation du contrepoint sur le thème que tu as composé aurait pu être cool !

[@AurelienGivernaud]

Merci beaucoup, c'est très inspirant ! +1 pour une vue sur les banques et vst que tu utilises dans cette vidéo! Good job!

[@AurelienGivernaud]

Pour ceux que ça intéresse, Christian Henson (Spitfire Audio) a une vidéo qui complète bien la tienne je trouve avec quelques tips sur l'interprétation pour donner l'illusion du réalisme : kzbin.info/www/bejne/ZqaqnqGed7KJg7s

[@Alexander_kino]

Bonjour déjà bravo c dingue car il y a une par de vérité mais, ce n'est pas une critique néfastes au contraire le logiciel que tu utilises ne reflète pas la réalité car avec 5 violonistes tu fais quelque chose de épique tout dépendra de comment joue tes instrument (fortissimo, piano mezzopiano...) De plus pour avoir un côté épique et massif tout compositeur va préconisé les instruments à fort timbres (trompette, tuba, euphonium, trombone, flûte, clarinette...) Et surtout l'harmonie derrière le thème principal donc des ex si tu es en la (majeur) et que tes note fond la do si tu va mettre en une deuxième voix mi fa ré (où mineurs) do mib mi (tout dépendra aussi de ta basse) donc voilà je te conseille de voir Vangelis et Horner d'autres compositeur avec un style encore différents tu verras sinon continue comme ça j'espère que tu as eu le courage de tout lire (tkt je m'abonne pour la peine même si tu le mérites 😂) 😉

[@Alexander_kino]

J'allais oublier le "contre chant" entre sorte plutôt des notes vagabonde harmonique joue beaucoup pour comblé le vide d'un morceau pour éviter les arpegiato trop répétitif (et pour de la musique de film il sont indispensables pour procurer un plaisir musicale donc les frissons 😂)😉

[@haguemanlenormand7741]

Bonjour je fais partie de la catégorie, qui suit ce contenu, uniquement pour la culture et par curiosité intellectuelle, donc je suis un nul je n'ai aucune critique à faire et aucun conseil à donné, voilà merci de upgrade mon niveau de compréhension d'écoute de la musique, juste que pense tu du style Michel Legrand en musique de film ? compositeur qui a toujours invoqué son amour du jazz, je pose juste la question parce que je trouve que on occultes un peu trop le côté jazzy chez starrysky, encore merci pour tout ce que tu fais pour nous ta communauté.

[@lolopiano9279]

Super vraiment

[@calixtus06]

Merci pour cette video. Petit conseil fais toi "relire" . Il y a beaucoup de fautes de français. Par exemple on dit une octave..

[@elparisino1975]

Comment rendre les choses simples. Merci beaucoup !!!

[@florianbeguin]

On dit Celli il me semble quand y'en a plusieurs :)

[@musiquesintemporelles]

Autrement dit, la méthode Hans Zimmer te permet de faire une orchestration qui semble sonner... Mais où tu ne comprends rien à ce que tu fais, dans le sens où tu ne comprends rien aux capacités & limitations de chaque instrument. J'exagère à peine... Ce que je trouve dommage, avec cette méthode, c'est que tu te prives de créations originales. Car ce sont justement les limitations, les contraintes qui te poussent à réfléchir à des solutions réalistes et te permettent de créer des partitions originales. Avec une telle méthode, pas étonnant que les compositeurs de l'école Hans Zimmer aient l'air de toujours faire du Pirate Des Caraïbes...